O Centre Pompidou apresenta a primeira retrospectiva na França de Georgia O’Keeffe (1887 – 1986), uma das maiores figuras da arte norte-americana do século XX. Com cerca de uma centena de pinturas, desenhos e fotografias, a exposição propõe uma revisão completa da sua trajetória artística. Georgia O’Keefe morreu aos 98 anos e viveu as aventuras estéticas essenciais do século passado. Na década de 1920, ela pertenceu ao círculo limitado dos inventores do modernismo americano, depois participou na década de 1930 da busca pela identidade que marcou os Estados Unidos, antes de se tornar uma pioneira da pintura abstrata “hard edge” na década de 1960.

Georgia O’Keeffe | 8 setembro – 6 dezembro 2021| Paris

Esta coleção excepcional de obras foi possível com o apoio das principais coleções públicas e privadas internacionais, principalmente norte-americanas: Georgia O'Keeffe Museum em Santa Fé, MoMA, Metropolitan Museum of New York, Whitney Museum of American Art, Art Institute of Chicago, Thyssen-Bornemisza Museum em Madri. 

O layout deliberadamente fluido e aberto da exposição desdobra cronologicamente a trajetória artística de Georgia O'Keeffe, desde as primeiras febres "cósmicas" inspiradas na imensidão das planícies do Texas em 1910, até as metrópoles e paisagens rurais do estado de Nova York nas décadas de 1920-1930, até o Novo México, onde ela se estabeleceu definitivamente após a Segunda Guerra Mundial.

A exposição começa com um espaço dedicado à galeria 291, um lugar de importância decisiva na carreira artística de Georgia O'Keeffe. Ao se mudar para Nova York em 1918, ela descobriu os artistas e movimentos inovadores da arte europeia moderna, que a inspiraram. 

O fotógrafo Alfred Stieglitz, cofundador da galeria, organizou as primeiras exposições americanas de Auguste Rodin, Henri Matisse, Francis Picabia e Paul Cézanne, entre outros.

A galeria publicou a revisão da Camera Work, na qual Georgia O'Keeffe descobriu a tradução de um extrato de Concerning the Spiritual in Art (1912), de Wassily Kandinsky. Ela se identificou com a estética do pintor russo, enraizada em um simbolismo que reconciliou um sentimento romântico pela natureza e pelo espiritualismo. 

O'Keeffe reivindicou essa afiliação, levando os historiadores americanos, notadamente Barbara Rose e Barbara Novak, a situar seu trabalho na esteira da pintura de paisagem americana inicial, incorporada por Thomas Cole, Albert Bierstadt e Thomas Moran, e a associá-la aos ensinamentos "transcendentalistas" do filósofo Ralph Waldo Emerson e A poesia de Walt Whitman.

Alfred Stieglitz foi o primeiro a exibir os desenhos de Georgia O'Keeffe na galeria 291 (Special No. 15, 1916-1917). O amor artístico à primeira vista, seguido de amor romântico, ligou o jovem pintor ao fotógrafo, que depois dedicou uma exposição anual às obras recentes de O'Keeffe. Ele apresentou seu trabalho aos críticos de arte mais estimados da época, contribuindo para estabelecer seu reconhecimento público e consolidar sua posição em um mercado de arte em rápida expansão. 

Em 1929, ela foi a primeira artista feminina a ser incluída nas exposições MoMA recém-fundadas. Mais tarde, ela foi novamente a primeira artista feminina a receber uma retrospectiva dos principais museus americanos (Chicago em 1943, MoMA em 1946). Para a geração de artistas feministas da década de 1960, O'Keeffe era vista como uma "quebra-gelo", abrindo caminho para o reconhecimento da arte que não está mais necessariamente relacionada ao gênero de seu criador.

Além das pinturas de flores que fizeram sua reputação, a exposição "Georgia O'Keeffe" no Centre Pompidou mostra a complexidade e a riqueza iconográfica de seu trabalho. 

Dos arranha-céus de Nova York e dos celeiros do Lago George aos ossos de gado que ela trouxe de volta de suas divagações nos desertos indianos (Ram's Head, White Hollyhock-Hills, 1935), a pintura de Georgia O'Keeffe passou a se reinventar ao longo das décadas. Embora a inspiração vegetal seja um motivo recorrente para a artista, a exposição a realoca em uma tradição que está enraizada no grande sentimento pela natureza herdado do romantismo histórico. 

Reinventado pelo panteísmo do escritor D.H. Lawrence, percorre o trabalho de O'Keeffe, dando um toque de erotismo às suas paisagens e motivos vegetais.

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Georgia Totto O’Keeffe (Sun Prairie, 15 de novembro de 1887– Santa Fé, 6 de março de 1986) foi uma pintoraestadunidense. Conhecida por suas pinturas com foco em detalhes de flores, a paisagem do Novo México e os arranha-céus de Nova Iorque, é considerada hoje como a “mãe” do modernismo dos Estados Unidos.

Começou a estudar a pintura a sério em 1905, no School of the Art Institute of Chicago e depois no Art Students League of New York, mas sentia-se limitada pelas cópias que fazia de outras obras ou do que via na natureza. Em 1908, sem condições de pagar pela faculdade, ela começou a trabalhar como ilustradora e entre 1911 e 1918 deu aulas na Virgínia, no Texas e na Carolina do Sul. Conseguiu fazer curso de verão para estudar arte entre 1912 e 1914, onde conheceu a filosofia de Arthur Wesley Dow, pintor, professor de artes e fotógrafo que criou trabalhos baseados em um estilo próprio, com foco no design e na interpretação dos objetos ao invés de simplesmente representá-los ou de copiá-los. Seu contato com a filosofia de Arthur causou uma grande mudança na forma como Georgia encarava e produzia arte, refletidos em suas primeiras aquarelas e desenhos a carvão, hoje expostos na Universidade da Virgínia.

Georgia mudou-se para Nova Iorque, em 1918, onde começou a trabalhar profissionalmente como artista. Começou um relacionamento com o fotógrafo e negociante de arte, Alfred Stieglitz, que promoveu muitos de seus trabalhos em exposições. Ele se tornaria seu marido em 1924. Georgia produziu muita arte abstrata, incluindo close-up em flores, pinturas que muitos encararam como reproduções da genitália feminina. Boa parte de sua reputação de representar a sexualidade feminina veio também das fotografias produzidas de Georgia por seu marido.

Os dois viveram juntos na cidade de Nova Iorque até 1929, quando Georgia começou a ficar parte de seu tempo no sudoeste do país, que serviram de inspiração para suas representações das paisagens do Novo México, bem como imagens de crânios de animais. Após a morte do marido, ela se mudou definitivamente para o Novo México, onde abriu um estúdio em Albuquerque e depois se mudou para Santa Fé, em seus últimos anos de vida. Em 2014, seu quadro Jimson Weed, de 1932, foi vendido em um leilão da Sotheby’s por US$ 44.405,000, três vezes mais caro do que qualquer pintura feita por uma mulher.

https://collections.okeeffemuseum.org/

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